La Papada de George Lucas

Y ya está, ¿para qué necesitas más?

Para acabar de aclarar de qué estamos hablando vayamos con unos microresúmenes de cada una de las entregas de la saga.

Death Wish I: Matan a la mujer de Bronson y violan a su hija dejándola catatónica así que Bronson se lía a tiros con todo punky que se encuentra por la calle sin preocuparse nunca de buscar a los punkys que realmente le destrozaron la vida.

Death Wish II: Violan a su sirvienta (¿?) y de nuevo a su hija -aún catatónica-. La hija acaba saltando por una ventana ensartándose en los pinchos de una valla y Bronson se venga, esta vez sí, de los punkys que le afrentaron.

Death Wish III: Matan a un amigo suyo y más adelante también a una chica con la que Charles había follado la noche anterior. Charles no reacciona demasiado bien y monta una guerra urbana de cojones en la que destruye más edificios que en un combate de los Power Ranger. La esencia de Death Wish 3 queda resumida perfectamente en esta escena:


Death Wish IV: La hija de su nueva pareja muere de sobredosis y Bronson comienza una batalla particular contra el narcotráfico. A la postre su nueva pareja también es asesinada -Sí, se veía venir-. En una escena mágica en la que la madre de la niña muerta por sobredosis está investigando sobre los peligros de las drogas para escribir un artículo sobre ello en el periódico en el que trabaja, un médico forense le enseña el cadáver de un chico al que le ha explotado una pipa de cocaína en la cara.

Death Wish V: A su prometida le desfiguran la cara y poco después la matan unos tíos que blanquean dinero a través de pasarelas de moda. O eso me pareció entender porque no explican demasiado bien nada de lo que pasa salvo que a Bronson no le gusta que esté pasando. Por cierto, que montan un drama increíble con lo de la desfiguración de la cara y al final son cuatro rasguños.

De los anteriores microresúmenes podemos sacar una valiosa lección: Ligar con Charles Bronson equivale a morir.

Siendo fieles a la realidad -aunque sólo sea por un día- La primera de las cinco películas sí que es diferente a las demás. En Death Wish I Charles Bronson sufre cuando mata, llora y vomita con los nervios que le provocan sus asesinatos. En definitiva: todavía es un pusilánime.

Es a partir de la segunda entrega cuando la pentalogía comienza a cobrar sentido. Charles Bronson deja atrás por fin sus ridículos remilgos y se destapa como un justiciero de los que desgraciadamente ya no quedan. Un ejemplo para una sociedad corrupta y peligrosamente afeminada que necesita héroes y bigotes con urgencia. Paul Kersey representa el espíritu de los pioneros estadounidenses, de los últimos hombres de verdad que poblaron el continente americano exterminando indios y búfalos como si no hubiera un mañana. Paul Kersey es el último heredero de esa estirpe de héroes que fundaron una nación a golpe de Colt.

¿Quién no se ha sentido desprotegido alguna vez en este mundo? ¿Quién no ha dejado de ir a denunciar un robo de algo de poco valor, como, no sé, una bolsa de Pandilla Drakis, por miedo a que la policía se riera de él? Yo os lo diré: Paul Kersey. A Paul Kersey le importa una mierda todo. Si incumples la ley, mueres, así de sencillo y así de fácil. Tiro por la espalda. Y le importa tres culos provocar él mismo los robos para justificar sus ejecuciones. Y sino mirad como contonea la cámara de fotos a lo turista despistado en una noche en el Bronx en la siguiente escena...


La pentalogía desgraciadamente llega a su máximo esplendor de violencia en su tercera entrega y en las dos siguientes el huracán de balas y destrucción sin sentido amaina. Sin embargo, aunque la violencia de un bajón LO RANCIO hace su aparición: Muñecos y muertes estúpidas aparecen por doquier para alegrarnos las dos últimas entregas de una saga ya legendaria.


En el siguiente gráfico se puede apreciar el perfecto equilibrio estético-dramático a lo largo de las cinco entregas de Death Wish sostenido por la constante longitud bigotil de Bronson.




Como ocurría con C.H.U.D. Los traductores de títulos se volvieron locos con Death Wish y donde había una única saga crearon dos y dejaron a la última huérfana por arte de birlibirloque:

Death Wish - El justiciero de la ciudad.
Death Wish II - Yo soy la justicia.
Death Wish III - El justiciero de la noche.
Death Wish IV - Yo soy la justicia 2.
Death Wish V (The face of death) - El rostro de la muerte.

Os amamos traductores de títulos de películas al castellano. Os amamos a morir.

Lo mejor:

• La tercera entrega.
• El bigote de Charles Bronson.
• El hiératismo de Bronson. A su lado Steven Seagal parece Jack Nicholson encocado.
  
• Los pistolones.

Lo peor:

• La saga llega a su climax en la tercera entrega, las dos siguientes sobran. Pese a todos sus muñecos explosivos.
  
• CIERTO tufillo fascista.

El Papad-o-Matic 2010 ha decidido otorgarle de media a toda la saga tres bigotudas papadas rellenas de casposidad fílmica de primer nivel.

En la Papada de George Lucas nos volvemos a adelantar despreocupadamente a la lógica y analizamos la segunda parte de C.H.U.D. sin haber analizado la primera ¿Por qué? Pues porque es nuestro blog y si no te gusta te vas a tu puta casa ¿ok? No, en serio, es que la primera era tan aburrida que no merecía una entrada completa. Ni siquiera en este blog.

Sin embargo conviene decir un par de cosas sobre la primera entrega. Y es que nunca antes el caprichoso ingenio de los creativos traductores de títulos en España se había puesto tan a prueba como con C.H.U.D. Esos héroes anónimos se enfrentaron a un nuevo reto, un reto acronímico de siglas endemoniadas capaces de hacer perder la cordura a los diver-traductores más sensatos.

C.H.U.D en inglés significa Canibalistic Humanoid Underground Dwellers, algo así como moradores caníbales humanoides del subsuelo. Las dos primeras letras se pueden traducir directamente sin pérdida de significado... ¿Pero y las dos últimas?

-¡No hay ningún sinónimo de subsuelo que empiece por U en español!
-¡Ni de moradores que empiece por D!

-Debieron exclamar con gran regocijo los traductores pues empezaban a ver vía libre para alguna de sus aberraciones-.

-¡Hagamos lo que nos salga de los cojones!
-¡Criminal!
-¿Qué te parece... Caníbales Humanoides Ululantes Demoniacos?
-¡Criminal!

Y así es como, amigos, C.H.U.D. en castellano se titula Caníbales Humanoides Ululantes Demoniacos. Que bien podría titularse Caníbales Humanoides Ultravioletas Dominicanos, Caníbales Humanoides Urticantes Dinámicos o Caníbales Humanoides Universitarios Deficientes. Da igual, ni en C.H.U.D 1 ni en C.H.U.D 2 los caníbales son demoniacos ni ululan en ningún momento.

Las dos entregas de C.H.U.D. pertenecen al subgénero de películas en las que un oficial del ejército potencialmente desequilibrado se obsesiona con la creación de supersoldados, ya sean cyborgs, ninjas o cadáveres resucitados (véanse Solo: el destructor, American Ninja 1,2 y 3 y Soldado Universal).

Como el cine se ha encargado de enseñarnos película tras película esos experimentos acaban invariablemente en fracaso. Pero es que en esta ocasión estaban llamando a la catástrofe, provocando a la fatalidad, retando a las moiras desde la misma génesis del proyecto al que bautizan como C.H.U.D. antes de que ocurra nada malo. Si le llamas Canibalistic Humanoid Underground Dwellers a tus soldados ¿Por qué luego te sorprendes cuando se convierten en caníbales, intentan devorar a la gente y se esconden en las alcantarillas? Elige otro nombre, por mucho que le duela a los traductores de títulos ¡Elige otro nombre!

Como la primera entrega es una insípida película de terror que más bien da risa en la segunda los creadores debieron pensar, no sin cierta lógica, que si la primera daba risa tal vez estuvieran tocados por la varita mágica de la comicidad. Así que C.H.U.D. 2 es una comedia. Creo. Al menos sale un caniche canibal que se come a un cartero y eso es siempre de mucha risa.

En realidad es como si James Cameron se hubiera vuelto loco haciendo Aliens y hubiese convertido al monstruo de Giger en un patán torpe y despistado que no parase de sembrar el caos con divertidos equívocos provocados por su simpática estupidez.

Los monstruos radiactivos de la primera película han sido sustituidos por unos zombies bobalicones que no paran de morder a sus víctimas fuera de plano. C.H.U.D. 2 carece de la dosis mínima de gore que una película de sus características requiere y todos sabéis que la falta de sangre y vísceras es una de las cosas que más nos llenan de furia en la Papada de George Lucas. Una película de caníbales sin sangre es como una tortilla de patata sin cebolla, una canción heavy sin sólos de guitarra o Jose María Iñigo sin su peluquín.

Al menos la historia tiene ritmo y resulta mínimamente entretenida por lo imbécil que es todo.

El proyecto C.H.U.D. ha sido cancelado y van a destruir los restos del último de sus especímenes, pero claro, no lo hacen inmediatamente, deciden dejarlo para el día siguiente. No tienen en cuenta a un par de descerebrados estudiantes de instituto que después de perder un cadáver de su clase de ciencias deciden ir al hopistal a por otro preocupados porque les puedan suspender el curso si no lo hacen. Evidentemente un proyecto de alto secreto y riesgo nuclear como el C.H.U.D está fuertemente vigilado y... no, espera, no hay nadie vigilándolo y se llevan al bicho alegremente a sus casas donde lo resucitan electrocutándolo accidentalmente y da comienzo la invasión C.H.U.D.

De todas formas la invasión no es muy ágil porque Bud el C.H.U.D (que así se llama el especimen que resucitan) se enamora de una compañera de clase de los dos idiotas que le rescataron. Así que se pasa toda la película persiguiéndola lentamente y sólo muerde a gente así como de pasada y como quien no quiere la cosa.

Al menos la película resulta un documento histórico interesante porque nos recuerda palabras que ya no se usan y frases para ligar que nunca deberían perderse en el olvido.

Lo mejor:

Lo peor:

Me gustaría empezar este post hablando de expectativas y decepciones. Cuando tu madre prepara croquetas para cenar tus expectativas de disfrutar de una cena suculenta que haga vibrar intensa y humedamente a tus papilas gustativas se disparan. Cuando descubres que está haciendo croquetas de pescado la decepción es monumental.

Lo mismo pasa con El fantasma del bikini invisible. El título no avecina nada bueno en absoluto pero al menos piensas ingenuamente que se verán tetas. No hay que ser Einstein: bikini invisible=tetas.

¿Para eso inventaron el croma? ¿Para tapar tetas con sujetadores verdes?. Parece una historia de ciencia ficción en la que los adelantos tecnológicos al principio son maravillosos pero finalmente se convierten en una pesadilla. ¡Tetas invisibles! La rebelión de los robots no es nada comparado con esto.

La película es una sucesión de chistes tan ridículamente ingenuos que a su lado el Show de Benny Hill parece una cota insuperable de humor sofisticado y fino. No tienen vergüenza en recurrir una y otra vez a golpetazos, forzados juegos de palabras y equívocos ocasionados por la miopía de uno de los personajes y todo acompañado de sonidos de dibujo animado.


Como en todo buen episodio de Scooby Doo el plan de los malos consiste en disfrazarse de monstruos y asustar a los buenos hasta que salgan huyendo. ¿Si a Scooby Doo le funcionó durante temporadas y temporadas por qué no iba a funcionar en el cine? No lo sé, no me importa, pero definitivamente no funciona.



Por supuesto al final todos cantan y bailan, el abogado malvado pierde y Boris Karloff cumple su objetivo de darle su dinero a unos desconocidos en lugar de dedicarlo a causas más nobles como a construir una máquina del tiempo para evitar que se invente el croma que en el futuro nos dejará sin tetas.

Lo mejor

Lo peor

En estos tiempos donde los intelectuales campan a sus anchas por los estudios de cine con sus gafas de pasta y sus trascendentales ideas acerca del sentido de la vida pocas veces nos encontramos con un título con la fuerza primordial de Megatiburón contra pulpo gigante, un título que llena la boca y el espíritu, un título directo... directo como... como un directo a la mandíbula y si algo no le falta a esta película son... mandíbulas. <- Ni Matías Prats liga tan bien los temas. Esta joya nos la trae la productora norteamericana The Asylum, especialista en mockbusters, es decir, películas de bajo presupuesto sacadas a remolque de una gran producción a la que imitan incluso en el título y de cuya inversión en publicidad se alimentan gratuitamente.
De este modo The Asylum cuenta ya con joyas como "El tesoro de Da Vinci", "Serpientes en el tren", "Sunday School Musical", "Transmorphers" y otras muchas.
En Megatiburón contra Pulpo gigante por fin deciden ser "originales" y crear su propia historia. Sin haber visto ninguna de las otras películas de The Asylum estoy casi seguro de que no ha sido una buena idea.

El argumento de la película está prácticamente resumido en el título. Hay un tiburón y un pulpo que se odian y luchan a muerte. ¿Pero de dónde salen? ¿Vienen del espacio? ¿Son producto de la radiación? ¿Forman parte de los sueños delirantes de un adicto al Discovery Channel en un giro final a la altura de The wizard of gore?. Desgraciadamente no, ni son extraterrestres, ni radiactivos ni oníricos, sólo estaban congelados en Alaska y son liberados cuando un helicóptero se estrella contra el iceberg que los mantenía atrapados. El incidente es contemplado por la protagonista de la película cuya cualidad más destacable es la de poner cara de actriz porno en todas las situaciones subacuáticas imaginables. Ah, y es bióloga. Pero no haré chistes sobre Ana Obregón.

La Ramona se ha fugao con el hijo de cartero
Ramona, te quiero. Como no cabía en el tren
se la lleva en un velero. Ramona, te quiero.

Brian, el pringado de turno, se convierte en el elegido de un Aylmer recién emancipado vía desagüe, al más puro estilo Mario Bros. Tras una escena en la cama de un misticismo que ya quisiera David Lynch, Aylmer puede dedicarse a la recolección de cerebros, cabalgando a Brian como el enano aquel de Mad Max que iba subido a un gigantón sin cerebro en la cúpula del trueno -utilización de un enano que, por otra parte, también se la habría puesto morcillona a Lynch si se le hubiese ocurrido a él-. Como apunte, decir que me habría gustado más al revés, un gigantón subido a la chepa de un enano, lo que resulta más creíble porque el tipo grande puede amenazar al enano con darle de hostias si no le obedece, ¿pero qué iba a hacer el enano si el gigante no obedece? ¿muecas? ¿ruidos molestos? ¿ponerle a parir en su blog? ¿hacerle una foto a un chorongo, subirla a Facebook y etiquetar al gigante en ella?

Tras n escenas de devoración cerebral, la crisis entre Brian y su entorno se acentúan, y su relación con Aylmer se resiente. Aparecen los anteriores compañeros de piso de Aylmer en lo que bien podría ser una escena de Apartamento Para Tres, si no fuese porque empiezan a volarse la cabeza unos a otros, morderse y movidas muy chungas que no habrían pasado la mojigata criba judía de los censoproductores de la entrañable sitcom. ¿Qué decís, que queréis que concrete más? ¿Que ponga una imagen? ¿Un vídeo? ¿Que os estoy privando de una de las mejores escenas de la historia del cine? Pues os jodéis, esto no es una democracia, sino una autocracia parlamentaria marginalmente recursiva.

Tras la estafa que supone que la grandiosa escena de la limpieza de oído resulte ser un delirio provocado por el síndrome de abstinencia sin peso alguno en la trama, la película concluye en una flipadura de 6.3 ownios, unidad de medida que he acuñado para que os hagáis una idea de la cara que se os queda tras un OWNED de estas características. Porque, y atención que os SPOILEO en toda la cara, le arrancan a Aylmer de la nuca en plena dosis, lo que provoca un cortocircuito neuronal, una grave hinchazón y un dolor agudo -parecido a cuando los hijos de tus vecinos te despiertan a las 10 de la mañana hablando de Pokemon debajo de tu ventana-. Esto resulta en un Brian pegándose un tiro en la frente, con azulísimo y resplandeciente resultado. Eso es, motherfuckers, os puse el final de la película al principio de todo, ¿pero qué vais a hacer ahora? ¿lloriquear como mujerzuelas? ¿fruncir el ceño? ¿enviar una queja a mis editores? Uhm, olvidad esto último.

Podríamos concluir que lo que prometía ser una obra de culto a la altura de Basket Case se queda en una historia inconexa y decepcionante donde la adicción es una excusa de lo más pobre para que Aylmer haga de las suyas, con personajes secundarios irrelevantes como la novia y el ¿primo? ¿hermano? ¿compañero de piso? y situaciones ridículas como:

Por no hablar del desenlace, que no tiene ningún sentido, siguiendo esa cansina tendencia "no sé como acabar la película, así que pongo algo raro y engimático y me quedo tan ancho".

Célebre clásico del gore sacado de nuevo a la palestra gracias a Juno, la edulcorada ¿comedia? indie que nos recuerda la norma #1 de Hollywood: “Las strippers no deben escribir tus guiones”.

Pero no estamos aquí para hablar de las estúpidas tribulaciones de una prepúber embarazada sino para hablar de vísceras, sombreros de copa y el mejor giro final de la historia del cine.

El planteamiento de la película es simple, Montag, un misterioso mago con la cara de cera y los dientes de madera…

…realiza sangrientos trucos de magia durante su espectáculo de ilusionismo. Corta a mujeres por la mitad con sierras eléctricas a la vista de todo su público para después reconstruirlas amasando sus vísceras como quien amasa la harina y la levadura para hacer un bizcocho (en el hipotético caso de que los bizcochos se hagan así, que no soy el puto Arguiñano ¿estamos?).

La cuestión es que pasadas unas horas las mujeres que participan en los números de Montag vuelven a su estado deconstruído y mueren. Es entonces cuando una periodista y su pareja -que se darán esporádicos e imprevisibles lotazos a lo largo de toda la película- empiezan a investigar el caso.

¿No suena ni tan mal verdad? Pues es horrible. La película es repetitiva a muerte, Montag hace su número cuatro veces y las cuatro repite las mismas frases, sólo cambia la forma en la que mata a la mujer voluntaria. Prácticamente la totalidad de la película debe de estar rodada en el mismo estudio y los únicos exteriores son unos confusos y oscuros planos de una ¿persecución? en coche. Las paredes siempre están cubiertas de cortinas, lo que nos lleva a pensar que o bien el attrezzista tenía una tienda de cortinas e hizo el agosto o bien no se les ocurrió una forma mejor para tapar los muros de ladrillo del estudio.

Las interpretaciones, empezando por la de Montag, son sobreactuadas e histriónicas y en La Papada de George Lucas solo le permitimos el histrionismo a Vincent Price.

Mención especial también al público de las actuaciones de Montag, que aplaude sus horripilantes números como quien aplaude en la ópera. ¿Que le sacan el cerebro por la oreja a una chica y le arrancan un ojo? ¡Fabuloso! ¡Exquisito!

Todo es insufrible hasta el final, hasta ese momento en el que crees que ya no vas a poder escuchar otra vez a Montag decir lo de “cómo puedes estar seguro de que es real lo que ves” sin pegarle un puñetazo al dvd. Hasta ese legendario momento de la historia del cine que revelaré después de la advertencia de SPOILER.

Después de que el chico de la película mate a Montag impidiendo que hipnotice vía televisión a todo el país en uno de los combates finales más irrisoriamente cortos que he visto nunca:

...Él y su chica aparecen sentados en el salón de su casa -con paredes de cortina, como no-Parecen aliviados por haberse liberado de la amenaza de Montag… pero… ¡Montag es el chico! ¡¡TWIST!!. Pero… en realidad la mujer había hipnotizado a Montag desde el principio y toda la película ha sido una alucinación hipnótica inducida por la chica en el cerebro de Montag. ¡¡¡¡ÜBBER-TWIST!!!!. Y así, con dos giros ridículamente imprevisibles que al menos te dejan con una carcajada en la boca acaba The wizard of gore.